Nació en Verona el 20 de Diciembre de 1947. Comenzó a actuar a los cinco años en su ciudad natal, donde se la conoció como la "Shirley Temple italiana". En 1963 triunfó en el festival "Voci Nuove", realizado en las termas de Castrocaro. Esta actuación le abrió las puertas de la RAI, y al año siguiente fue invitada al Festival de San Remo. La edición 1964 fue seguramente la más pareja de la historia del festival, al punto de que solamente se eligió la canción ganadora, que no fue otra que la que Gigliola compartió con Patricia Carli: "Non Ho l'Etá (Per Amarti)", de Nicola Salermo y Mario Panzeri. El resto de los temas finalistas compartieron el segundo lugar, e incluso hubo varias canciones eliminadas en la primera vuelta que fueron éxitos de venta.
DOMENICO MODUGNO
Nació en 1928 en Polignano, un pueblito costero del sur de Italia, cerca de Bari. De niño se inició en la música como un medio para sobrevivir en un hogar muy humilde. Por unas monedas cantaba, tocaba la guitarra, hacía acrobacias o se arrojaba al mar desde gran altura, entreteniendo primero a turistas y luego a los soldados que combatían en la Segunda Guerra Mundial. Cuando terminó el conflicto se trasladó a Roma. Inició estudios de actuación, que pagaba con lo que obtenía cantando en siciliano en locales nocturnos o directamente en la calle. A mediados de los 50 comenzó a componer y grabar. Obtuvo algunos éxitos menores, como "Strada Enfosa" "Musetto" y "U Pisci Spada", hasta que en 1958 se impuso en el Festival de San Remo con su tema "Nel Blu Dipinto di Blu" (Volare). El tema lo consagró mundialmente, sirviendo además para proyectar internacionalmente al Festival, que inició su época de oro. Modugno repitió su triunfo al año siguiente con "Piove" (Ciao, Ciao, Bambina) y volvió a imponerse en 1962 con "Addio Addio" y en 1966 con "Dio come ti amo". En 1984 lo afectó una parálisis, pero eso no impidió que siguiera apareciendo en los escenarios, a veces en silla de ruedas. Murió en 1994, reconocido como figura indiscutida de la canción y de la comedia musical en todo el mundo. Su tema "Vecchio Frac" es una de mis canciones favoritas
RITA PAVONE
Rita nació en Torino el 23 de Agosto de 1945. Comenzó su carrera cuando fue descubierta por el cantante y productor Teddy Reno, en un festival para nuevos cantantes organizado en Ariccia en 1962. Teddy Reno se convirtió inmediatamente en su representante y guió su carrera, consiguiéndole un contrato con RCA. Su primer simple, "La Partita Di Pallone", batió records de venta, con más de un millón de copias en poco tiempo. El segundo disco, "Come Te Non C'è Nessuno", le otorgó el reconocimiento del público internacional, con extraordinaria repercusión en Alemania, España, Brasil, Argentina e incluso en Japón. Interpretó sus éxitos en alemán, inglés y español, lo que aumentó aún más su popularidad internacional y aseguró el éxito de sus giras, que tuvieron su punto culminante con una notable presentación en el show de Ed Sullivan. Contrajo enlace con Teddy Reno, con quien lleva más de treinta años de matrimonio
Ilustración de 1791 de una mujer jugando con una temprana versión de yoyo entonces conocida como "bandalore"
El yo-yo es un juguete formado por un disco de madera, de plástico o de otros materiales con una ranura profunda en el centro de todo el borde, alrededor de la cual se enrolla un cordón que, anudado a un dedo se hace subir y bajar alternativamente. Se maneja el disco mediante sacudidas hacia arriba y abajo.
El yo-yo tuvo su origen formado por muelles en un artilugio de caza, que usaban en los comienzos de la Edad Moderna, ciertas civilizaciones para obtener sus presas para alimentarse, y requería de cierta habilidad para manejarlo.
Mujer de 1920 jugando en Berlín ,Alemania
En el siglo XVI, los cazadores mexicanos idearon un yo-yo, que era un arma constituida por dos grandes discos de madera y una recia liana que los unía. El yo-yo se lanzaba con habilidad, y su liana atrapaba al animal por las patas y lo derribaba, lo que permitía acabar con él con toda facilidad. El yo-yo facilitaba la tarea a los cazadores, como en el caso del bumerán australiano, que también permitía reducir a la presa desde lejos.
El nombre proviene del tagalo, una lengua Indonesia que es la más antigua y la más hablada entre los filipinos. En su origen el yo-yo no era, pues, un juguete.
En los años veinte, un americano emprendedor llamado Donald Duncan pudo contemplar el yo-yo filipino en acción. Reduciendo el tamaño del arma, la transformó en un juguete infantil, conservando el nombre tagalo, pero el yo-yo de Duncan no fue el verdadero origen del juego.
Muchacho jugando con un yo-yo en un kylix griego.
Yo-yo en China (1000 a.C.)
Como juguete, el yo-yo se originó en China hacia el año 1000 a.C. La versión oriental consistía en dos discos de marfil con un cordón de seda arrollado alrededor de su eje central. Andando el tiempo, este juguete chino se difundió en Europa, donde fue adornado suntuosamente con joyas y pintado con dibujos geométricos, a fin de que su rotación creara efectos hipnóticos.
Jugar con un yoyó se convirtió rápidamente en uno de los pasatiempos predilectos por niños de todo el mundo; y Latinoamérica no podía ser la excepción, allí adquirió gran popularidad, la cual conserva hasta el día de hoy. En Argentina, durante los años 80 por ejemplo, se creó un gran furor alrededor del yoyó "bronco".
Patente de yo yo de 1866En México, se llegó a reconocer como un deporte, incluso, existe lo que se conoce como la Asociación Mexicana del Yo-Yo. Sin duda, el hecho de que su precio sea económico y que sea sencillo construirse uno con materiales baratos y fáciles de conseguir ha contribuido a que muchos niños en el mundo, hasta los más pobres, puedan jugar con él. Aquellas personas que piensen que el yoyó es un juego sólo para niños, se equivocan. A través de los años, el yo-yó ha sido el juguete favorito no sólo de los pequeños, sino también de los grandes, entre ellos, personas de gran importancia e influencia, incluyendo a varios científicos y políticos. Entre ellos se hallan a los presidentes John F. Kennedy, Lyndon Johnson y Richard Nixon, quienes se sabían grandes aficionados del pasatiempo, pues a menudo se les veía jugando con el yoyó en la oficina presidencial de la Casa Blanca. El 12 de abril de 1985, el yoyó viajó al espacio con la tripulación del transbordador Discovery, y años después, en la nave espacial Atlantis. Actualmente, se realizan torneos y competencias mundiales en los que participan verdaderos aficionados de este curioso juguete. La competencia mundial se lleva a cabo anualmente en Orlando. Además, existen un centenar de trucos con nombres curiosos que se pueden realizar con él, entre ellos el de "la vuelta al mundo", el "fuego atómico", la "bala de plata", "el kamikaze" y muchos más. Como ejemplo, se encuentra a "Fast" (Rápido) Eddy McDonald, a quien pertenece el título de "la persona en el mundo que puede realizar mas lazadas en una hora" tras haber realizado 8437 lazadas con su yoyó
El hula hoop o hula-hula es un juguete en forma de aro que fomenta la actividad física. Hoy se fabrica a menudo de plástico y se gira alrededor de la cintura o de otro miembro del cuerpo como brazos o piernas.
Los niños alrededor del mundo han jugado siempre con aros, girándolos, balanceándolos y lanzándolos. Los materiales tradicionales para los aros han incluido sarmientos y hierbas. Los aros fueron inventados en Egipto hace alrededor de 3.000 años. En Grecia antigua su uso fue recomendado para perder peso. En el siglo XIV, el hooping era popular en Inglaterra y los médicos le culparon de ataques al corazón y dislocaciones de espalda. La palabra hula fue agregada a comienzos del siglo XVIII cuando los marineros que visitaron Hawaii. notaron la semejanza entre el hula que se bailaba y el hooping.
En 1957, el hula hoop fue reinventado por Richard Knerr y Arturo "Spud" Melin, que habían fundado a compañía llamada Wham-O en un garage de Los Ángeles en 1948 para comercializar el lanzador Wham-O (inventado originalmente para lanzar trozos de carne al aire, un dispositivo de entrenamiento para los halcones). La idea vino de un californiano que había visitado Australia que informó a Knerr y Melin sobre los niños que giraban aros de bambú alrededor de la cintura en clase de gimnasia. Los nuevos hula hoops fueron creados con Marlex, un plástico duradero recientemente inventado (donde el aro ayudó como lanzamiento para la producción de Marlex). El hula hoop se conoce hoy como el capricho más grande y provechoso de los años 50.
Knerr y Medlin no podían patentar su re-invención sumamente provechosa, pues había estado en uso durante miles de años. Que la fabricación del dispositivo fuera de un nuevo material no resolvió los requisitos de originalidad de la patente. Podían en gran parte, sin embargo, proteger su marca de producto el "Hula Hoop", un nombre tan ligado al juguete que los niños apenas estaban interesados en cualquier otra marca de aro plástico.
Después de que el aro fuera lanzado en 1958, Wham-O vendió más de 100 millones de unidades en dos años. De esto trataba la película de 1994 de los hermanos Coen The Hudsucker Proxy, que cuenta de forma ficticia cómo fue creado. Mientras que el capricho quema, wham-O tuvieron fortuna otra vez con el lanzamiento de su frisbee
El hula hoop en el circo
El hula hoop emergió en el mundo del circo en los años 60 cuando los artistas rusos y chinos llevaron el hula hoop hasta el extremo. Éstos influenciaron a los artistas contemporáneos del circo como el comediante australiano del circo e historiador Judith Lanigan, que coreografió el canto del cisne - una mezcla de hula hoop y de tragedia - al usar 30 aros. El espectáculo Alegría del Circo del Sol ofrece una contorsionista espectacular con hula hoops, que puede ser visto on line
BETO ORLANDO: Alberto Orlando Otero, de La Plata, provincia de Buenos Aires. Comenzó su actividad musical de niño, cantando folklore con su padre. Después de integrar distintos grupos con algunos amigos, en 1968 formó Los Cuatro Soles, junto a Raúl Gaggiotti, conocido musico platense. Su primer disco fue grabado para el sello EMI Parlophone en 1971: "Los Cuatro Soles. Canta Beto Orlando", con "Doce Rosas", "No Me Des tu Adiós mi Amor", "Tú Eres mi Destino", "Qué Lástima Me Da", "Cuando Partas, Amor", "Volvamos a Encontrarnos Vieja Amiga", "Aquellos Besos que Te Dí", "Te Han Regalado un Corazón", "Porque te Quiero, Amor", "Enséñame a Querer, Que Ya No Tengo Amor", "Cada Lágrima Tuya", "Cómo Te Extraño, Elizabeth". En 1972 se publicó el segundo LP, "Beto Orlando con Los Cuatro Soles", que incluyó "Qué Vas a Hacer de Mí", "Esta Es la Primera Vez", "Ansiedad", "Tanto Te Voy a Extrañar", "Sólo a Tí Puedo Quererte", "Caminito / La Cumparsita", "Qué Vas a Hacer de Mí", "Nunca Me Condenes a Olvidarte", "Quiero Volverte a Tener", "Estoy Contando los Días", "En Tu Vida Nadie Como Yo", "Dios del Olvido". Este último tema, compuesto por Dino Ramos, les significó el primer disco de oro de su carrera. Desde 1973 se presentó como solista. Continúa activo, y su hijo Sebastián Otero sigue sus pasos como cantante.
La música Dance nace gracias a la evolución del sonido negro americano el Rhythm & Blues y el Soul. Uno de los artistas que contribuyó al desarrollo del dance fue sin duda James Brown. Películas como "Fiebre del Sábado noche" o "Por fin es Viernes" nos mostraron por primera vez una discoteca o una cabina de disc-jockey. A finales de los años 70 la Psicodelia y el Funky se adueñaron de las pistas de baile. Artistas como Earth, Wind & Fire, The Jacksons, Donna Summer y muchos otros llenaban las discotecas de todo el mundo con su música. Por otra parte, desde Alemania, cuatro universitarios llamados Kraftwerk creaban las bases de lo que sería el sonido Techno, llegando incluso a fabricarse sus propios instrumentos. A principios de los 80, gracias a la labor de gente como Sugarhill Gang y Afrika Bambaataa, el Rap se convirtió en estandarte de la juventud. El fenómeno del Breakdance fue sin duda lo que propició la fusión entre el Rap y los sintetizadores, creando así un sonido más comercial que se podía "pinchar" en cualquier sesión. Paralelamente a este hecho, productores como Bobby O' y Patrick Cowley transformaron el sonido Disco en High Energy, acelerando así el ritmo de la música de baile. Por su parte, los músicos que tomaron el camino de Kraftwerk crearon un sonido llamado Techno Pop. Este nuevo estilo combinaba las letras románticas con el sintetizador y el resultado fue muy positivo. Formaciones como Yazzo o Depeche Mode se convirtieron en ídolos para la juventud, gracias al buen hacer de uno de los mejores músicos de los 80, Vince Clarke.
En 1983 desde Italia se creo un nuevo estilo: el Italo-Disco, también conocido como Spaghetti. Las bases de esta nueva creación fueron el High Energy y el Techno Pop. Durante cuatro años el Spaghetti llenó las pistas de países como Alemania, Holanda o España. Dos de los artistas más importantes dentro del Italo-Disco son Ryan París, que con su "Dolce Vita" vendió en España 500.000 copias y Den Harrow, que se mantuvo durante varios años como máximo exponente de este estilo. En Estados Unidos, Madonna se convirtió en "Reina del Pop", haciendo extensivo su éxito al resto del planeta. Sus canciones eran una mezcla de música Disco y Pop. Precisamente esa fue la línea que siguieron muchos artistas en aquella época, aunque otros, como Michael Jackson, preferían mezclar el Funky con el Pop.
Por lo que respecta al Reino Unido las producciones Techno Pop de Erasure, Depeche Mode o Eurythmics, alcanzaron las cotas más altas en las listas de éxitos, y lógicamente el resto del planeta también bailó sus discos.
En 1986 el sonido Spaghetti dejó de ser el centro de atención para los discjockey's Europeos. Desde Estados Unidos en primer lugar, y desde Gran Bretaña más directamente, Europa sucumbió bajo el poder del House. Este nuevo estilo tenía sus raíces en el sonido Disco y tomó su nombre en Chicago. El House se convirtió en el primer estilo musical que reflejaba al DJ como centro de atención. Las sesiones de Frankie Knuckles, que combinaban el sonido electrónico con el ritmo Disco y la calidad vocal del Soul, fueron el punto de partida para la consolidación del House.
Contrariamente a lo que se cree, el House no tomó su nombre debido a que era música "hecha en casa" por DJs. El verdadero motivo fue que Frankie Knuckles, el responsable de este estilo pinchaba en un local llamado The Warehouse.
Gracias a la labor de Ralphi Rosario (Rey del House Latino), Mike "Hitman" Wilson y Marshall Jefferson entre otros, la "fiebre housera" se extendió al Reino Unido, donde artistas como Bomb the Bass; M.a.r.r.s. y muchos otros, transportaron el nuevo estilo al resto del continente con la típica etiqueta de "Nº 1 en U.K.". Desde Estados Unidos, Todd Terry se convirtió en "dios del House" con impresionantes producciones y remezclas. Una vez consolidado, el House empezó a evolucionar a finales de los 80 desembocando en nuevos estilos como el Hip House de DJ Fast Eddie, el Italo-House de Black Box o el Flamenco-House de Raúl Orellana, aunque la creación del Acid-House fue la más revolucionaria. El disco "Acid Trax" de Phuture inició la nueva era para el sonido House. La repercusión del nuevo estilo fue tal que incluso se creó la moda Acid. El logotipo del "Smiley" y el pañuelo en la cabeza eran dos de los símbolos más claros de los "Add-men". Uno de los temas más representativos del estilo fue "We call it acieeed" de D-Mob. Este disco, que incluía uno de los gritos más "sampleados" por los productores de la época, estuvo prohibido durante unos meses en las emisoras del Reino Unido.
A nivel comercial hay que destacar la labor de los británicos Stock, Aitken & Waterman, sus producciones para Rick Astley; Kylie Minogue y otros artistas, fueron número uno en medio mundo y marcaron la pauta de la música comercial.
Por otro lado, gente como Nitzer Ebb fusionaron el Techno Pop con el Hard Rock, creando así el Sonido Industrial. Este estilo tomó su nombre porqué los instrumentos que se utilizaban en los temas tenían un sonido metálico y muy contundente, como si se estuviese golpeando con un martillo en una fábrica. La moda Acid se extinguió muy rápidamente, en tan solo un año. Ibiza, la isla innovadora por excelencia, acogió al New Beat como sonido de moda. Este estilo tenía sus raíces en el Sonido Industrial, pero conservaba parte de la esencia Acid. Dos de las características más importantes del New Beat eran la denominación de origen. Principalmente llegaba desde Bélgica, y la velocidad rítmica de tos temas que era bastante lenta. Junto a "Sound of C", de Confetti´s, el tema de Amnesia, "Ibiza", se convirtió en el disco por excelencia de 1989, el año del New Beat.
Si la moda Acid duró poco, la del New Beat aún duró menos. Grupos como Confetti´s se volvieron más comerciales y el mercado británico no había acogido demasiado bien este estilo. La comercialidad de temas como "Don't miss the partyline" de Bizz Nizz, "1 can't stand it" de Twenty 4 Seven y los éxitos de Technotronic imperaban en las pistas de baile a principios de los 90.
El nuevo sonido comercial europeo recibió el lógico nombre de Euro-Beat. El bombardeo de producciones era constante, Ice M.C. desde Italia, M.C. Sar & The Real Mc Coy desde Alemania, etc. Mientras estos artistas vendían miles de discos, grupos como Front 242 apostaban por el Sonido Industrial y se convertían en ídolos para el público que aborrecía la música comercial. El radicalismo y el culto al Techno Pop de Krafwerk crearon un nuevo estilo que en España se denominó Máquina. El resto del mundo continuó llamando Techno a esta fusión entre el New Beat, el Techno Pop y el Sonido Industrial.
De nuevo los DJs se convirtieron en productores y crearon su propia música. Gente como Interactive, L.A. Style, Quadrophonia y muchos otros, llevaron la Máquina a lo más alto de las listas dance. En nuestro país, Valencia se convirtió en la "Capital del Bakalao", llevando la iniciativa musical con artistas como Megabeat o Chimo Bayo, que incluso editaron sus producciones en el extranjero y tuvieron gran éxito en países como Italia o Alemania. Por su parte el mercado británico continuaba evolucionando con artistas como K.L.F. y el House quedó reducido a los clubs gays, llegando a ser "rebautizado" como Underground.
Cuando la Máquina se consolidó, tal y como ocurrió con el House, comenzaron a surgir nuevos subgéneros. El Trance convirtió las discotecas en "templos mágicos" para evadirse totalmente, el Hardcore rozaba la distorsión y su velocidad rítmica era infernal. Dentro de Trance cabe destacar la labor de Jam & Spoon, aunque posteriormente realizaron temas comerciales como "Right in the night". Tampoco podemos olvidar a Bruno Sanchioni, el compositor de "The age of love", uno de los temas más "pinchados" en la historia del sonido Trance. Dentro del Hardcore destacan Charlie Lownoise & Mental Theo, junto al equipo de ID & T (Dano, The Prophet, Gizmo y Buzz Fuzz). El Hardcore más duro recibió el nombre de Gabber, el más comercial se denominó Happy Hardcore y el que tenía mucha percusión se llamó Jungle o Breakbeat, este último estilo tiene gran aceptación en lugares como Gran Bretaña. Dentro del Breakbeat hay que destacar a un grupo de la actualidad, The Prodigy, que arrasa en todo el mundo con sus temas y live acts.
La aportación musical más importante del Reino Unido a la actualidad es sin duda el rescate del House. Poco apoco el House o Underground volvió a acaparar la atención de los DJs y productores, gracias a labor de Todd Terry (el dios), Celvin Rotane, Josh Wink y muchos otros. La evolución convirtió el Underground en Progressive House. Tal y como su nombre indica es música que progresivamente va cambiando. Los temas comienzan de una manera y acaban de otra. Empiezan tranquilos, se "frenan" o paran y posteriormente "suben" hasta un punto máximo que causa furor en la pista.
Hablando de la actualidad hemos de contemplar una gran variedad de producciones que funcionan y que pertenecen a diferentes estilos. En nuestro país podemos decir que según la zona funciona un estilo u otro. A pesar de esta variedad, cuando un disco destaca acaba siendo número uno en todo el país. A nivel de estilos, en España, existe una Máquina diferente a la del resto de Europa. Son discos creados por DJs y productores con la única preocupación de que funcionen en nuestro país. Actualmente se baila igual el Eurobeat de Alexia, el House de Kadoc o la Máquina de Sistema 3. Simplemente hay que fijarse en la zona del país donde ese estilo tiene más aceptación. Por lo que respecta al resto de Europa, el House es casi siempre el estilo preferido por los DJs, aunque países como Alemania, Italia y Holanda reclaman producciones de Máquina o Euro-Beat. Actualmente existe una "fiebre" por etiquetar la "Dance Music". Se habla de Hard House, Intelligent Techno y de muchas otras ramificaciones. Incluso se llega a dar el caso de que un artista ve como clasifican uno de sus temas dentro de un estilo que ni el mismo conoce. Como ocurre con muchas otras cosas en la vida, no hay que exagerar y desde luego tampoco se deben complicar las cosas de cara al publico.
En estos últimos dos o tres años han surgido algunos estilos como el Eurotrance por fusión de otros, o como el Europop. Concretamente, el Eurotrance combina características del Trance y del Dance, y los temas suelen poseer un paradón en el que canta generalmente una chica y a continuación una melodía típicamente Trance aunque ligeramente diferente, ya que está estudiada para que sea más bailable.
Así mismo, también ha aparecido un estilo totalmente nuevo (aunque toma algunas características del house y del dance). Estamos hablando del famoso Europop bautizado y popularizado por Eiffel 65 con su tema "Blue (da ba dee)". Contrariamente a lo que algunos piensan, no fue Eiffel 65 quien inventó este estilo, sólo lo popularizó y le dio nombre, por que ya existían algunos temas antes de este.
Así como algunos estilos son algo más minoritarios y no gustan a todos, el Europop ha conseguido calar en el público de tal forma que se puede decir que es el estilo más popular. No hay quien se resista al Europop. Probablemente también sea el más comercial de los que hay en música dance, aunque en calidad algunos temas dejan bastante que desear. De todas formas este estilo tiene la obvia ventaja de atraer al público hacia la música dance, y en sí es muy bailable.
Los ochenta (de 1980 a 1990) fueron unos años especiales. Por eso hay quienes los extrañan, y mucho.
En la moda, colores variados, peinados y accesorios tendiendo a la libertad. Remeras "sueltas" y de colores llamativos, con estampados y hombreras.
Los pantalones se usaban ajustados. Las chicas llevaban chalecos y si vestían faldas, la "onda" eran las mini.
Tiempos de rock a todo vapor y por tanto había que ponerse algo con la imagen del conjunto favorito, ya fuera un estampado en la remera o simplemente algún "pin" bien visible.
Zapatos con altos tacos, rulos y flequillos en los cabellos, maquillaje pleno muy visible, vaqueros "gastados".
Los chicos comenzaron a usar aros, pero ellos serán tema de otra nota.
La Siambretta es una motoneta (scooter) de procedencia argentina construida por la empresa SIAM bajo licencia de Lambretta entre los años 1955 y 1965.
La "motoneta" o scooter Siambretta es la versión argentina de la marca italiana "Lambretta" procedente de la fábrica Innocenti de Fernandino Innocenti (1891-1966), que comenzó a fabricar estas motonetas a finales de la Segunda Guerra Mundial cuando su fabrica se vio inoperativa y completamente destruida luego de la misma. El pais necesitaba motorizarse y fue entonces cuando Enrico Piaggio y Fernandino Innocentti se inspiraron en los pequeños "scooters" que utilizaban los paracaidistas ingleses, y por separado decidieron fabricar un vehículo simple, robusto y económico que tuviera gran aceptación popular y buenas perspectivas con relación a la motocicleta. Debería además ser fácil de conducir tanto por hombres como por mujeres, y tener potencia suficiente para llevar un pasajero acompañante.
Su origen en Sud America
El origen de los scooters Siambretta en Argentina comienza en los años 50, prácticamente al mismo tiempo que las "Lambrettas" y "Vespas" lo hicieron en Europa. En Argentina quien firma el contrato con Innocenti para la fabricación de estas motonetas fue la metalúrgica SIAM, perteneciente al Ing. Torcuato Di Tella que había sido fundada en 1910 para fabricar amasadoras mecánicas, fabricando también más tarde las famosas heladeras eléctricas SIAM.
Fabricación y la política
La fabricación de la Siambretta en Argentina estuvo ligada a la política y las primeras 75 Siambrettas modelo "Standard" fueron entregadas a la UES (Unión de Estudiantes Secundarios) o Jóvenes Peronistas, la popular motoneta recibió el nombre de "Pochoneta". El propio General Perón desfiló sobre una Siambretta.
Los modelos siguientes para fabricación por SIAM luego del éxito de la Siambretta 125 "Standard", fueron los modelos "De Lujo" que incluyó chapones laterales y con algunas modificaciones mayormente estructurales. El modelo de bicimoto Siambretta 48 también se fabricó en el país.
SIAM agregó a la fabricación las versiones argentinas de la LI / TV Serie II, pero con guardabarros delantero similar a la versión española fabricada por Lambretta "Loccomociones" y el modelo inglés Rally Master. El modelo en Argentina se conoció como TV 175.
Tanto el modelo Standard como De Lujo se dejaron de fabricar en 1962 y el modelo TV 175 en 1968. Siambretta también daba la oportunidad de importar la LI 150 desde Italia, a la cual le cambiaba los isotipos de Lambretta y se vendían como la Siambretta LI 150 "Totalmente Importada".
Una curiosidad para destacar de la Siambretta es que los modelos más conocidos en la Argentina fueron exactamente los modelos más antiguos de Lambretta, siendo así que las Lambrettas más "comunes" de encontrar en Italia son las 200, 175, 150, etc., cuando en Argentina las 125 tuvieron mucho éxito. En Argentina hay círculos de Siambreteros que cuentan con motos que son dignas de admirar por su nivel de originalidad.
Siambretta en Uruguay y Chile
Algunos modelos de Siambretta fueron exportados desde Argentina hacia Chile y Uruguay.
Información técnica de los modelos
Siambretta 125 Estándar y De Lujo, que fueron la réplica argentina de la Lambretta 125 D y LD (respectivamente). Tiene 125 cc de cilindrada, 4,8 HP de potencia a 5.600 RPM y una velocidad máxima de 75 km/h con una autonomía de 120 km con un tanque lleno de 5 L.
Siambretta 175 TV es la réplica de la Lambretta 175 TV con las modificaciones pertinentes a la nacionalización. Algo para destacar de este modelo es que existió un modelo de la Siambretta 175 llamado AV, único en el mundo y es algo así como la Standard de las 175 por ser la misma estructura y motor de la TV pero sin los chapones laterales.
Siambretta 48 con las mismas características de la Lambretta.
Siambretta motofurgón, de iguales características de la Lambretta
El origen del bikini se situa en el año 1600 A.C. por los mosaicos decorados con imagenes de mujeres en un vestido de baño de dos piezas hallados en una antigua villa siciliana.
Por su parte el estilista francés Louis Réard presentó el 3 de julio de 1946 por primera vez, en su colección de trajes de baño, uno de dos piezas, a la que llamó Bikini en honor a Bikini Atoll, uno de los tantos atolones de Marshall Islands, en el pacífico central. Este lugar es reconocido por ser ideal para bucear por su riqueza natural y se hizo famoso en la década de los cuarentas cuando Estados Unidos lo utilizó como lugar de pruebas nucleares.
El bikini desde su inveción no habia sido del todo aceptado, la actriz norteamericana Esther Williams resume la reacción social negativa en los años 50, tanto anglosajona como europea, ella a pesar de ser famosa por su participación en Escuela de Sirenas (George Sidney, 1944) donde continuamente salía en bañador, fue censurada por la supuesta inmoralidad del nuevo modelo que portaba.
En el año de 1951 durante el certamén de Miss Mundo el bikini fue nuevamente prohibido, ganando terreno el traje de baño de una sola pieza, el cual era considerado sinónimo del buen gusto
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La popularidad del bikini
La popularidad del bikini se da hasta los años 60, esto por razones de ética más que de estética, sin embargo gracias a factores tan influyentes como las grandes divas del cine, los medios de comunicación y la apertura política y social de occidente, su aceptación comenzó.
Se dice que una bailarina del Casino de París, Micheline Bernardini, fue la primer modelo en posar con bikini. El inventor de la prenda, Louis Reárd, tuvo que recurrir a ella porque ninguna modelo profesional se atrevía a lucir una prenda tan destapada.Fue ella quien sugirió a su creador este nombre, alegando que iba a ser "más explosivo que la bomba de Bikini".
Con Brigitte Bardot y sus descansos en Saint Tropez y Cannes luciendo un bikini, se desencadena la promoción de tal prenda. Su papel en Y Dios creó a la mujer en 1957, animó a decenas de mujeres a usarla. Asi también la colaboración del cantante Brian Hyland y su canción Itsy Bitsy Teenie Weenie Yelow Polka Dot Bikini despierta entre las adolescentes americanas el gusto por esta prenda de escándalo.
Seis años después, Ursula Andress lució su famoso bikini con cinturón mientras interpretaba a la "chica Bond" en "007 contra el Doctor No". Raquel Welch por su parte aparecia con un sugestivo bikini en "Hace un millón de años", cuando interpretaba a una feroz cavernícola, en 1966.
Mientras en América esta diminuta prenda, causaba furor, caso contrario se presentaba en España,Grecia y Portugal, donde debido al ambiente político y religioso, las mujeres erás más recatadas, los bañadores de una pieza de piqué o punto con falditas y escote alto seguían siendo los reyes de las playas.
Con la evolución y vanguardia de los tejidos, el bikini tiene una mayor difusión.Luego para 1960 con la introducción de la lycra una fibra que puede ser tensada y estirada hasta seis veces su longitud natural, el diseño de esta singular prenda se abre a nuevas posibilidades, por lo que la moda llega a los momentos de descanso y bronceado en las playas.
Posteriormente con la libertad de expresión, el fin de la dictadura franquista y el landismo, Mariano Ozores y Alfredo Landa, traen el "top-less" y el tanga. Este último llega de las playas de Brasil y reduce las piezas del bikini a su mínima expresión.
El aire de libertad que se respira en los ochenta, el interés por la moda y por un cuerpo escultural, continúan con el triunfo de las tangas y el cine encumbra a Bo Derek como la mujer perfecta en traje de baño.
En los años noventa, los bikinis continuan con su ascenso pero mostrando ahora formas rectas y colores lisos, asi mismo causó sensación el bikini de diseño deportivo que mostró la reina del voleybol Gabrielle Reece en 1993.
Moda en bikinis para el siglo XXI
Haciendo un recuento del pasado se puede decir que los diseños actuales del bikini son una recopilación mejorada, acutalizada y más discreta de los modelos de los años 60 y 70.
Diseñadores famosos como Guillermina Baeza afirma con rotundidad que este verano el bikini es la prenda reina. En la misma línea Andrés Sardá sugiere para su colección University diseños que evoquen el pasado con bikinis de estampado colorista con motivos pop que remiten a los 70.
La firma Oysho (línea de ropa íntima de Inditex) propone a las mujeres el uso de bikinis de cuadros vichy, rayas y geométricos; con un acentuado retorno a los escotes sugerentes y braguitas bajas, con cinturón o pantaloncito.
First Company por su parte, se llena de colores marineros, en tierra, fantasías brillantes y una marcada influencia de los 70 y los 80. Las formas de los dieseños actuales se prestan a la variedad y abarcan desde tops de línea deportiva, sesenteros, mini camisetas y formas asimétricas.
Rock and roll, rocanrol, es un género musical de ritmo marcado, derivado de una mezcla de diversos géneros de música folclórica estadounidense (rhythm and blues, hillbilly, blues, country y western son los más destacados) y popularizado desde la década de 1950, siendo su cantante más influyente Elvis Presley, su guitarrista mas influyente Chuck Berry y sus bandas más influyentes The Beatles y The Rolling Stones
La expresión venía utilizándose en las letras del rythm & blues desde fines de la década de 1930, pero fue el disc jockey estadounidense Alan Freed quien comenzó a utilizar la expresión "rock and roll" para describir ese estilo.
El vocablo "rock" deriva del término rock and roll y hoy día conserva dos significados según la Real Academia Española: "un género musical característico y popularizado en los 50 y cada uno de los diversos géneros musicales derivados del rock and roll,(que sería la definición del género contemporáneo música rock, y que históricamente vino cumpliendo el término rock and roll). Sin embargo, independientemente en la práctica existen muchos artistas dentro de la música rock que, sin realizar rock and roll de los 50, continúan denominando a su música "rock and roll".
Por otro lado, aunque el Diccionario de la lengua española en su vigésima segunda edición reconoce el término rock and roll como voz inglesa a modo de anglicismo, en el avance de la vigésima tercera edición el artículo ha sido enmendado tomando rocanrol como término en español derivado del inglés
Origen del término
En 1951, el disc jockey estadounidense Alan Freed comenzó a transmitir por radio rhythm & blues y música country para una audiencia multi-racial. A Freed se le ha atribuido ser el primero en utilizar la expresión "rock and roll" para describir la música que difundía; su uso también se le ha atribuido a Leo Mintz, patrocinante de Freed, quien lo impulsó a difundir ese estilo de música.
La expresión a su vez, fue tomada por Freed de la propia música negra que difundía, que solía contenerla en las letras de las canciones, como el tema Rock and rolling (1939) de Bob Robinson, Rock and rolling mamma (1939) de Buddy Jones y Cherry Red (1939) de Joe Turner.[6] Tres diferentes canciones con el título Rock and roll fueron grabadas a fines de la década de 1940, creadas por Paul Bascomb en 1947, Wild Bill Moore en 1948 y Doles Dickens in 1949. Para entonces la expresión era de uso común en las letras del R&B.[6] En 1949 Erline Harris, grabó el tema Rock and Roll Blues, en el que repite constantemente la expresión y que le valió el apodo de Erline "Rock and Roll" Harris.
La expresión también fue incluida en 1950 en la publicidad del film Wabash Avenue, protagonizado por Betty Grable y Victor Mature, donde se decía que Grable era "la primera dama del rock and roll".
Primeros cantantes y orígenes
Elvis Presley
en la Casa Blanca en 1970En la década de 1950, en Estados Unidos, los adolescentes buscaban nuevos sonidos, nuevas sensaciones. Por primera vez, una música se dirigía directamente a ellos: el rock and roll
En tiempos de la esclavitud en los Estados Unidos las comunidades negras desarrollaron un potencial musical en el que predominaban los cánticos religiosos y ritmos propios que marcaban los días de trabajo en las diversas plantaciones que habitaban en aquel entonces. A nivel musical la influencia de los ritmos y sonidos africanos se hacían presentes generando en un estilo propio y diverso que luego se materializó en el blues, el cual se convertiría en el ingrediente musical que más tarde revolucionaría la música a nivel mundial. Por otro lado también la influencia de los músicos blancos a través del género musical denominado country y la aparición de la guitarra eléctrica daría nacimiento a lo que se llamó rhythm and blues, padre del rock and roll. Uno de sus precursores fue Muddy Waters en 1949.
Chuck Berry
El término rock and roll empezó a utilizarse para aminorar musicalmente el popular ritmo rhythm and blues, el cual denotaba en demasía las luchas raciales para la época, y aunque en esencia los dos géneros musicales representaban lo mismo, se quiso diferenciar uno del otro para dar paso a los cantantes blancos y a la música que no mencione el conflicto racial.[cita requerida]
Sus inicios combinan elementos del blues, del boogie woogie, y del jazz, con influencias de la música folclórica Apalache, (hillbilly), gospel, country y western especializado. Suele acreditarse a Muddy Waters como al músico que "pavimentó" el camino hacia el rock and roll.
Hay quienes datan su origen en 1954, con el trabajo discográfico de Bill Haley y su grupo Bill Haley and the Haley's Comets, especialmente con Crazy man crazy (1954) y su gran éxito Rock Around the Clock (1955), que tanta influencia tendría en John Lennon. Otros consideran como creador a Little Richard o a Elvis Presley y eligen también como fecha del comienzo del rock and roll a 1954, año en el que Presley editó su primer disco. Entre los músicos destacados de la época se pueden citar a Jerry Lee Lewis, Little Richard, Bo Diddley, Fats Domino, Buddy Holly, Eddie Cochran, y Gene Vincent entre otros.
Fuente: http://es.wikipedia.org/
La revelación y la revolución se dieron en el primavera de 1964, las faldas cortas y los pantalones, se crearon para ser el uniforme unisex de una nueva forma de vida, esta vestimenta resultó muy satisfactoria, aunque también produjo un boom en la época, un cambio de pensamiento estaba a punto de estallar...nos remontamos a años atrás...
Mary Quant nació el 11 de febrero de 1934 en Kent, Inglaterra. Deambuló por trece colegios antes de entrar en la Escuela de Arte Goldsmith de Londres, donde supo que lo suyo era la moda y nunca quiso hacer otra cosa que diseñar.
A Mary no le gustaba el estilo de los cincuenta, le parecía aburrido, anticuado y costoso. Así es que, siendo una joven emprendedora, decidió crear sus propios diseños.
Su objetivo era hacer prendas más juveniles, que gustaran a quienes disfrutaban del rock & roll y comenzaban a rebelarse contra todo lo establecido. Observando en las calles a los jóvenes londinenses, logró obtener la inspiración que necesitaba para crear una moda verdaderamente popular.
Sin embargo, lo hizo siguiendo las normas de la sastrería inglesa, lo que dio a sus diseños una mezcla de innovación y tradición, que muy pronto llamó la atención por su novedad y calidad. Estaba tan en línea con los movimientos sociales del momento, que enseguida empezó a vender todos sus diseños.
En 1961 abrió su segundo Bazzar y dos años después ya estaba exportando para los Estados Unidos y recibió un premio de la moda del periódico "The Sunday Times". En 1963, año en que los Beatles lanzaban su segundo sencillo, "Please, Please Me", Mary Quant causaba conmoción al presentar algunos de sus cortos y amplios vestidos en la revista Vogue.
Quant decidió entonces olvidarse de los estrictos cánones de la ropa de día o del diario y del vestuario de noche, para crear novedosas prendas que permitían transitar de un momento a otro sin mayores complicaciones.
En su taller de diseño de Londres subió varios centímetros la falda femenina, dejándola convertida en la ya famosa mini. Cuando comenzaron a aparecer las jovencitas vestidas con tan breve atuendo, se iniciaron las polémicas.
Corrían los años sesenta y la capital inglesa se convertía en el lugar donde el mundo centraba toda su atención. Fue entonces cuando Mary Quant, entró a la historia de la moda y causó furor con la presentación en sociedad de la minifalda, la falda que terminaba quince centímetros encima de la rodilla.
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Haciendo oídos sordos a las quejas de las autoridades eclesiásticas, el 10 de julio de 1964, en medio de su colección de verano, Quant mostró por primera vez la prenda que se convirtió en fetiche y símbolo de la década de los 60. Poco después, lanzó los minishorts o hotpants.
Esta colección supuso una revolución tanto en el ámbito de la moda, como en la sociedad de la época, en la cual gran parte esperaba entusiasmada que un invento de esta magnitud tuviera las consecuencias oportunas para llevar a cabo un cambio de estilo de vida, y más alla, un cambio de la moral de la época.
Pese a innumerables críticas, desde puritanos que la encontraban inmoral, hasta colegas como Coco Chanel que alegaban que las rodillas eran la parte menos atractiva del cuerpo de una mujer y, por lo tanto, había que ocultarlas, para mediados de los sesentas, la minifalda se convirtió en un éxito mundial, siendo una prenda usada por mujeres de todas las edades y al alcance de todos los bolsillos. Al respecto, la legendaria diseñadora dijo en una ocasión que una mujer es "tan joven como sus rodillas".
Durante los sesenta, las famosas modelos Twiggy y Jean Shrimpton modelaban los diseños de Mary Quant, que eran usados por las celebridades del momento: Brigitte Bardot, Nancy Sinatra y Audrey Hepburn, entre otras.
En el año 1966, Mary Quant recibió de manos de la Reina Isabel Segunda la Orden del Imperio Británico, que aceptó, por supuesto, usando una minifalda.
Mary Quant explicó en una ocasión su éxito, diciendo:
“Pienso que rompí con los conceptos sofocantes que Chanel, Dior y otros modistos tenían sobre la moda, cuando creé estilos a nivel de la chica trabajadora. Todo resultó en una democratización de la moda y la diversión… Fue muy satisfactorio ver que no sólo las modelos de los sesentas usaban mis prendas, sino también los nobles y los millonarios. Ellos tenían todo, excepto ropa divertida… Lo snob pasó de moda y en las tiendas encontrabas a duquesas y mecanógrafas empujándose por comprar el mismo vestido… La moda se había convertido en un instrumento de igualdad”.
En España a las chicas de la minifalda se las vería poco y mal, y las progres de los ‘70 renegarían de ella por considerarla reaccionaria, fuera del tono de la lucha antifranquista aunque delante de los grises sólo corrieran tres y el resto estuvieran en el aula universitaria cuchicheando lo bien que iba estar España cuando Franco muriera
Franco, finalmente, murió en la cama, pero de la minifalda ya no se acordaba nadie, ni la patria, ni los abanderados, ni la canción protesta, ni los representantes de los comités revolucionarios que dejaron que el franquismo muriera en la cama de un hospital y ahora ocupan los grandes sillones de los partidos.
Así que en España casi que encontró su rechazo natural en los dos extremos; de la parte del nacional catolicismo mirando de reojo el paso alegre de la juventud, y en esa otra parte en que las progres de la canción protesta parecían cumplir todos los deseos revolucionarios. Posiblemente, la minifalda haya hecho mucho más por la liberación de las convenciones sociales que las luchas del cantautor.
INTRODUCCIÓN: LOS HIPPIES Fue un movimiento juvenil que tuvo lugar en los últimos años de la década de 1960 y que se caracterizó por la anarquía no violenta, la preocupación por el medio ambiente y el rechazo al materialismo occidental. Los hippies formaron una contracultura políticamente atrevida y antibelicista, y artísticamente prolífica en Estados Unidos y en Europa. Su estilo psicodélico y lleno de colorido estaba inspirado por drogas alucinógenas como el ácido lisérgico (LSD) y se plasmaba en la moda, en las artes gráficas y en la música de cantantes como Janis Joplin o de bandas como Love, Grateful Dead, Jefferson Airplane y Pink Floyd.
EL MOVIMIENTO HIPPIE: En los últimos años de la década del ´60, comenzó un movimiento muy particular que fue conocido como “movimiento hippie”. Este movimiento, como decíamos anteriormente, se caracterizó por la anarquía no violenta, por la preocupación por el medio ambiente y por un rechazo general al materialismo occidental. Los hippies formaron una cultura contestataria y antibelicista.
Artísticamente fue un movimiento muy prolífero en todo el mundo. Su estilo fue la psicodelica y la multiplicidad de colores inspirados en la drogas alucinógenas de la época (LSD) y que se plasmaba en: moda, artes gráficas y sobre todo en la música, en cantantes como Janis Joplin y en bandas como Love, Grateful Dead, Jefferson Airplane y Pink Floyd por nombrar solo algunas; y en general en todos los ámbitos de la cultura.
En un principio el movimiento se generó en Estado Unidos para luego extenderse a Europa y a todo el mundo. El origen, fue una reacción a las profundas alteraciones que había producido la segunda guerra mundial, en la sociedad y en la cultura.
Luego de la segunda guerra mundial (1945), se habían generalizado las políticas económicas de orientación “keynesianas”, que se basaban en el impulso que el Estado (ver Estado de Bienestar) le daba a la demanda y a la organización del proceso productivo a través del “taylorismo” (organización racional y científica del trabajo) y el “fordismo” (organización del trabajo en cadena). Estas circunstancias, hicieron aumentar la productividad y a su vez abaratar costos, lo que permitió a los trabajadores, acceder al mercado de bienes de consumo durables (automóviles, electrodomésticos, etc.), como nunca antes en la historia.
Las clases medias y populares mejoraron notablemente en las condiciones de vida ayudadas por la intervención del llamado “estado de bienestar” que tenía en esta etapa una importancia preponderante. Además, el pleno empleo, el sistema de seguridad social asegurado por ese “estado de bienestar” y la transformación de algunos servicios que antes eran privados (sanidad, educación, transporte, etc) en públicos, permitió también una notable mejora en la mayoría de los trabajadores.
Estas mejoras económicas, provocó en la sociedad en general una aletargamiento y un adormecimiento en cuanto a los reclamos y las luchas obreras. Los jóvenes, a partir de la década del ´50, comenzaron a rechazar estas posiciones cómodas y burguesas. Además, se le sumó a estos conflictos, la intolerancia “macartista” en el plano interno y la guerra de Corea en el internacional.
Todas estas transformaciones en la sociedad, fueron incubando la protesta juvenil que vendría.
La década del ´60, en los Estados Unidos y en los países centrales, traería todavía aun más mejoras en lo económico. La producción industrial se incrementó durante este periodo, principalmente la industria alimenticia, junto con la producción de carbón, la metalurgia básica, los productos agrícolas y la gasolina. Comenzó así, una etapa de consumo de masas. Los electrodomésticos, el auto y el teléfono, pasaron a ser símbolos de status personal. En general, artículos que eran privativos de minorías, pasaron a ser consumidos por una gran cantidad de personas al abaratarse notablemente sus costos.
Otro síntoma de los cambios de la época, fue la significativa explosión demográfica y la fuerte crisis que sufrió la institución “familia”. La misma, dejó de ser el núcleo de contención afectiva que siempre fue, debido a un cambio de valores en la sociedad.
Dos grandes movimientos también cobraron fuerte impulso en la década del ´60: uno era el “liberación femenina” y el otro el de la lucha contra la discriminación étnica.
En ese marco, en esta década, muchos jóvenes comenzaron a ensayar experiencias no convencionales. Consideraban mediocre y aburrido el mundo “burgués” e iniciaron una búsqueda hacia una vida espiritual y en contacto con la naturaleza. A toda esta búsqueda e iniciativas de los jóvenes, se la comenzó a conocer como “movimiento hippie”.
Al “movimiento hippie” no le interesaba cambiar la sociedad, sino que lo que pretendían era cambiar la sociedad en forma íntegra. Además de los cambios en la familia y la rebelión juvenil, se sumaba la denominada “revolución sexual”. Ésta última, ocurría acompañada de las grandes transformaciones en las conductas sociales, que se trasladaron también al ámbito privado. La aparición de las píldoras anticonceptivas y su difusión masiva, también influyeron en los cambios producidos en el nivel social.
Los “hippies”, tomaron como actitud contestataria, retirarse de la sociedad a la que condenaban por actitud cómoda y conservadora. Comenzaron, entonces, a reunirse en comunas, constituidas como organizaciones libres y sin jerarquías, en total contraposición de lo que pasaba en la sociedad burguesa. Las reuniones de los hippies se volvieron cada vez más conocidas, pero la que quedó instalada en la memoria, fue el festival de “Woodstock” en 1969, en el cual se reunieron durante tres días, medio millón de jóvenes. Además, el movimiento hippie encontró en el rock, un modo de expresión inigualable, sus valores básicos fueron la tolerancia y el amor. La guerra de Vietnam, fue también un hecho clave, que mostró al movimiento en total oposición al conflicto bélico, su gran inconformismo se manifestó en diversas movilizaciones en contra de la guerra y de todo tipo de violencia.
Estilo y comportamiento: El icono hippie suele caracterizarse con un hombre de pelo largo y barba mucho más larga que lo considerado “normal” para la época. Ambos sexos tendían a dejarse el pelo largo y de imitar el estilo afroamericano.
La mayoría de la sociedad de la época, consideraba estos “pelos largos” como una ofensa, o como sinónimo de suciedad, o cosa de mujeres.
El hecho de usar el cabello largo, para ambos sexos y su forma particular de vestir, actuaba como una señal de pertenencia y una muestra de su actitud contestataria y contracultural.
Otras características asociadas a ellos fueron:
- Ropas de colores brillantes.
- Ropas desteñidas.
- Camisas largas, polleras largas, pantalones con botamanga tipo “pata de elefante”.
- Ropas indias o africanas.
- Símbolos como la flor o dibujos de los aborígenes americanos..
- Muchos se confeccionaban su propia ropa como protesta ante la cultura consumista.
- Uso de incienso y recuperación de los valores naturales de las plantas.
- Se reunían a tocar o componer música en fiestas al aire libreo en casas de amigos.
- Vida en comunas.
- San Francisco, California era la principal ciudad de encuentro para los hippies.
- Tolerancia hacia la homosexualidad y la bisexualidad.
- Amor libre: traducido en un rechazo a la institución del matrimonio y una conducta sexual contraria a las imposiciones de las Iglesias o el Estado, que eran vistas como intromisiones a la vida personal.
- Uso de drogas: marihuana, hachís, alucinógenos como el LSD, etc.
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El entonces presidente Ronald Reagan definió al hippie como "un tío con el pelo como Tarzán, que camina como Jane y que huele como Chita".
Festival de Woodstock:
Fue el acontecimiento emblemático del movimiento juvenil y si queremos representar cómo fue la década del ´60, seguro que recurriremos a ese festival. Desafiante, inocente, optimista y tolerante, todo eso a la vez y muchas cosas más se pueden decir del mismo. Celebrado en una granja del estado de Nueva York del 15 al 17 de agosto de 1969. Durante tres días, a pesar de las lluvias, el barro y las instalaciones insuficientes, más de 400.000 jóvenes se abarrotaron en un encuentro que pasaría a la historia.
Joan Baez; Crosby, Stills, Nash y Young; The Who; Janis Joplin; Jimi Hendrix; Sly and the Family Stone; Jefferson Airplane y Santana, son solo algunos de los músicos que actuaron en el festival que había sido anunciado como “tres días de paz y amor”.
Estudiantes, fumadores de marihuana, residentes en comunas, profesores y hippies, en general, acudieron a la cita que fue catalogada como “una reunión de todas las tribus”, creando una de las leyendas que quedaría viva por siempre en la cultura musical y roquera
Liberación homosexual:
Un acontecimiento, cambió algo que ya se venía dando desde la década de ´50. El movimiento homosexual era hasta entonces reducido y discreto, todavía sufría los prejuicios de la época. El aconteciendo del que hablamos, tuvo lugar en un bar (el “Stonewll Inn.”) para homosexuales del Greenwish Village, un barrio bohemio de Nueva York.
Una noche de junio de 1969, en una operación que parecía rutinaria, la policía realizó una redada en el Stonewall, debido a que el mismo no tenía licencia para vender alcohol y por esos tiempos atraía una nutrida clientela de jóvenes, ruidosos y travestis. Lo que hubiera pasado inadvertido, esa noche se tradujo en una violenta reacción sin precedentes. En lugar de dispersarse, los habitúes respondieron con ira. El disturbio duró varios días y el acontecimiento provocó que saliera a la luz, la causa por la “liberación homosexual”.
Los activitas de esta causa, influenciados a su vez por los movimientos del poder negro y la liberación de la mujer, tomaron mayor fuerza y lograron ubicarse en la opinión pública de la época.
Esta rebelión, también fue significativa para aquellos que esperaban un control menos rígido de la sociedad hacia los comportamientos sexuales y para los que esperaban que se termine con la discriminación hacia los homosexuales.
Los movimientos a favor de la liberación homosexual comenzaron a expandirse hacia las potencias occidentales. Ya Inglaterra, había despenalizado la homosexualidad y se le sumaban en 1969, Canadá, Alemania, Australia y algunos estados de Norteamérica.
Finalmente, en 1973, la Asociación Norteamericana de Psiquiatría borró de su manual de diagnóstico, a la homosexualidad como enfermedad. De todas formas, la persecución y la discriminación no finalizó allí.
James Paul McCartney nació el 18 de Junio de 1942 en el hospital general de Walton, Liverpool. Sus padres eran Jim McCartney y Mary Patricia, Jim era vendedor de algodón y tocaba en una banda de jazz pero con el conflicto bélico lo tubo que dejar y durante la guerra trabajo en dos sitios diferentes, por el día manejaba un torno y por la noche apagaba los incendios provocados por las bombas alemanas. Su madre trabajaba en un hospital como comadrona y con sus ingresos la familia McCartney vivía bien.Paul era un niño regordete y muy amable con los demás. Cuando contaba con solo dos años sus
padres tuvieron otro hijo llamado Michael y con el que Paul tendría una buena relación ( Estábamos muy unidos, siempre teníamos las visitas de nuestros tíos, catábamos y celebrábamos fiestas ), recuerda Paul.
En uno de los cumpleaños de Paul, su padre le regalo una trompeta pero al comprobar que si tocando la trompeta no podía cantar y el cambio por una guitarra.Pronto descubrió que, aunque era diestro para todo lo demás, era zurdo tocando la guitarra, que resolvió invirtiendo el cordaje de la misma.Pero la repentina muerte de su madre por cáncer de mama fue un golpe emocional y económico para la familia.
Paul ante los demás no exteriorizaba sus sentimientos pero cuando se echaba a dormir en su habitación se ponía a llorar. En el colegio se comportaba de forma educada, tanto con los profesores como con los compañeros, ( absolutamente natural, bastante extraordinario y completamente irresistible )recuerda una profesora. En dicho colegio Paul conoció a George, los dos tenían en común una obsesión guitarrística uniéndoles una buena amistad. Siempre iban juntos en el autobús al colegio y en sus ratos libres se juntaban en la casa de George para tocar.
El día 6 de Junio de 1957, Paul fue con unos amigos a la reunión social que se organizó en los jardines de la iglesia St. Peter y allí estaba tocando John Lennon, Paul quedo impresionado por su forma de tocar. En el transcurso de la velada un amigo de ambos los presento y John pudo comprobar que el joven Paul tocaba la guitarra muy bien, por lo que pasados unos días Paul formo a ser parte del grupo Quarry Men.
Más tarde, el 13 de Marzo de 1958 George Harrison amigo y compañero de colegio de Paul se unió al grupo. Conseguirían algunas actuaciones, sobre todo en Hamburgo, pero el gran salto a la fama estaba a punto de llegar, cuando el 18 de Agosto de 1962 Ringo Starr ingresa en el grupo para tocar la batería, John, Paul y George ya habían grabado su primer single y ya con los cuatro componentes definitivos el éxito llego.El 11 de Enero de 1963 se publicaría " Please, Please Me " su primer número uno mundial. Pero de entre todas las canciones que compusieron los Beatles cabe destacar una de las que compuso Paul " Yesterday ", pues muchos críticos musicales consideran la mejor balada de todos los tiempos y por si esto es poco, también es la más versionada de la historia con más de tres mil interpretaciones.
Otro hecho relevante en la vida de Paul fue cuando en Junio de 1967 los Beatles graban el LP " Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band " considerado como la cumbre " Beat " y que marcaría un hito en la historia de la música.
Paul participo directamente en la grabación del álbum, dirigiendo a una orquesta de cuarenta músicos de conservatorio. Paradójicamente, él, que no tenía formación musical alguna, alcanzaba la aureola del mejor compositor " sinfónico " de nuestros días y también bautizado como " El Mozart del s. XX ".
En 1969 Paul viaja a Washington a la convención de la Capitol, donde anuncia el lanzamiento de su próximo disco, bajo el sello Apple.Y durante esta convención conoce a Linda Eastman, hija de uno de los directores del bufete Eastman & Eastman, firma que fue contratada para velar por los intereses de Apple en EE.UU. Linda estaba divorciada y tenia una hija de su anterior matrimonio, por lo no parecía que la relación con Paul llegase a ser algo serio. Pero en Agosto de ese mismo año Paul rompe su relación con su novia de siempre Jane Asher y el 12 de Marzo de 1969
Paul se casa con Linda Eastman en Marylebone Register Office, de Londres.Para Enero de 1969 la separación de los Beatles era eminente, pero Paul convence a sus compañeros para hacer un nuevo proyecto " Let It Be ", un documental sobre un día de trabajo en los estudios de grabación. Pero la relación entre ellos era tan tensa que al final Paul concluiría dicho proyecto en solitario unos meses más tarde.Let It Be obtuvo un Oscar a la mejor canción de la película en 1970, premio que fue a recoger Paul en solitario, de algún modo se lo merecía. Y en Abril de 1970 Paul anuncia en una rueda de prensa la separación de los Beatles.
Ya en solitario Paul grabaría su primer disco con Linda, con el nombre " McCartney " , formó el grupo " Wings " con el que recorrió casi toda Europa.En 1977 el Ministro para las Artes del Reino Unido le obsequia con una condecoración en rodio, un metal raro, para proclamarle el compositor con mayor éxito de la historia.De su matrimonio con Linda, Paul tendría dos hijas " Mary y Sheila " pero la mayor es Heather, hija de Linda de su anterior matrimonio.
Ya disuelto el grupo " Wings ", Paul canto a dúo con Michael Jackson y Stevie Wonder, y dirigió y protagonizo la película " Give my regards to Broad Street ".En una cita de 1992, Paul declaró que: " Dentro de cien años, la música de los Beatles se escuchará del mismo modo que escuchamos a Mozart ".En 1997 Paul es nombrado " Sir Paul McCartney " cuya ceremonia fue ofrecida en el Palacio de Buckingham, pero toda la alegría que pudiera tener Paul por esta condecoración se iría al traste un año más tarde con la muerte de su esposa Linda Eastman por cáncer, con el que estuvo luchando durante un año para erradicarlo sin éxito
